Визуальный язык самоиздававшихся и андеграундных аутсайдерских комиксов
Рубрикатор
1. Концепция 2. Роберт Крамб «Zap Comix» 3. Джек Колеман «Plastic Man» 4. Джули Дачет «Dirty Plotte» 5. Харви Пекар «American Splendor» 6. Карл Бургос «The Human Torch» 7. Заключение 8. Библиография 9. Список визуальных источников
Концепция
Феномен само издающихся комиксов американских аутсайдеров XX века представляет собой критически важный, но недостаточно изученный пласт культурной истории. Это направление возникло как реакция на творческие и коммерческие ограничения мейнстримных издательств, таких как Marvel и DC, и сформировало альтернативную творческую экосистему. Изучение этой темы актуально, поскольку оно раскрывает механизмы формирования независимого искусства, бросающего вызов индустриальным стандартам. Анализ через призму конкретных личностей позволяет понять, как маргинальные, на первый взгляд, фигуры кардинально повлияли на визуальный язык и тематику комиксов, превратив их в инструмент для исследования сложных социальных и психологических тем. Их наследие продолжает вдохновлять современных авторов графических романов и независимых комиксистов, выступая образцом художественной честности и авторского сопротивления.
Ключевые фигуры в исследовании: - Роберт Крамб — Является центральной фигурой движения подпольных комиксов (underground comix). Его творчество служит примером радикального переосмысления комикса как средства личного, часто шокирующе откровенного высказывания. Крамб создал уникальный визуальный язык, в котором переплетаются ирония, автобиографичность и мощный социальный комментарий, бросив вызов не только крупным издателям, но и культурным нормам эпохи. - Джек Колеман — Его фигура демонстрирует трагический парадокс аутсайдера, чье новаторство было в полной мере оценено лишь посмертно. Созданный им Пластичный Человек (Plastic Man) отличался сюрреалистичным юмором и невероятной пластичностью формы, что предвосхитило многие находки современных авторов. - Джули Дачет — Эта художница является важным примером женского взгляда в среде, традиционно доминируемой мужчинами. Ее творчество, связанное с движением «комиксов маленького тиража» (mini-comics) и само изданием, представляет собой тонкое исследование повседневности, памяти и межличностных отношений. Анализ ее работ позволяет сместить фокус с гротеска и эпатажа на лирику и интроспекцию, демонстрируя тематическое и жанровое разнообразие само издательской сцены.
- Харви Пикар –– это аутсайдер даже среди аутсайдеров. Будучи простым клерком, он создал автобиографическую серию «Американское сплочение» (American Splendor), которую рисовали другие художники, включая Роберта Крамба. Его творчество — это манифест «анти-комикса», где в центре внимания оказывается рутина, мелочность и экзистенциальная тревога обычного человека. Анализ Пикара раскрывает, как комикс может быть средством документации быта и инструментом глубокого философского высказывания, основанного на тотальной искренности. - Билл Эверет — Хотя Эверетт работал в мейнстриме, его судьба отражает системную проблему непризнания создателей. Билл оказался «рабочей лошадкой» индустрии, лишенной прав на своих персонажей и исторического признания. Его фигура связывает тему аутсайдерства с критикой корпоративной системы крупных издательств, где индивидуальное авторство приносилось в жертву коммерческим интересам.
Проведенное исследование позволяет не просто восстановить историческую справедливость в отношении конкретных авторов, но и выявить структурные закономерности, определяющие динамику признания/непризнания в культуре. Оно покажет, что само издательство и аутсайдерство были не маргиналией, а лабораторией, где рождались новые художественные языки и где комикс окончательно сформировался как серьезное искусство, способное говорить на самые сложные темы. Наследие этих авторов — это фундамент, на котором стоит вся современная культура авторского графического повествования.
Роберт Крамб «Zap Comix»
Творчество Роберта Крамба стало одной из главных сил в андеграундной культуре США, а его комикс «Zap Comcis» навсегда изменил представление о том, чем может быть комикс. Крамб — художник, который через личные кризисы и неприятие авторитетов создал уникальный художественный язык. Несмотря на статус аутсайдеров, Крамб стал одним из немногих карикатуристов, кого рано приняла культурная элита. Уже в 1969 году его работы были представлены в Музее американского искусства Уитни. Его документальный фильм «Крамб» в 1994 году принес ему новую волну известности.
Фотография Роберта Крамба, сделанная в промежутке между 2000 и 2010 годом Robert Crumb «selfportrait', 1969
Janis Joplin by Robert Crumb, ~1977 ID #2 by Robert Crumb, 1968
Cketch by Robert Crumb. 1985 Illustration by Robert Crumb, 1988
Философия аутсайдерства пронизывает не только автора, но и комис «Zap». Творчество для Крамба было формой терапии, а также формой избавиться от травм, полученных в неблагополучной семье. Роберт единственный из братьев, кто сумел социализироваться и внедрить своих внутренних демонов в искусство.
«Zap» является территорией личной свободы: этот комикс был сознательным побегом от цензуры и условностей. Художники комикса имели все возможности выражать свои мысли через рисунки и визуально высказывать свое мнение по поводу мейнстримных тем.
Zap Comics #6 by Robert Crumb, ~1978 Zap Comics #2 by Robert Crumb, 1975
Zap Comics #1 by Robert Crumb, 1973 Zap Comics #16 by Robert Crumb, ~1990
Уникальный стиль Крамба, наполненный гротескными персонажами с огромными руками и ногами, по его словам, сформировался под влиянием интенсивного опыта приема ЛСД в 1966 году. Во время трипа ему явились образы персонажей, которые стали основой для его знаменитых работ последующих лет. Его работы — это интенсивные, многослойные и глубоко личные истории, которые часто отвергают ограничения линейного повествования. Он беспощадно критикует потребительство и темную сторону «американской мечты», не боясь затрагивать табуированные темы, такие как расовые стереотипы, мизогиния и его собственные сексуальные фантазии. Мощь его работ в том, что они отражают его собственное отвращение и страх перед тем, что он видел в себе.
Хотя до этого существовали небольшие сатирические комиксы, именно «Zap» стал моделью для всего движения «комиксов». Первый номер, помеченный как «Для взрослых интеллектуалов», представил миру знаковые образы Крамба, включая «Keep on Truckin'» и святого шарлатана мистера Нэчорала. После успеха первого выпуска Крамб открыл страницы «Zap» для других талантливых художников, включая Виктора Москосо, С. Клэя Уилсона, Гилберта Шелтона и других. Вместе они сформировали ядро «коллектива Zap», которое оставалось практически неизменным на протяжении всей истории серии.
Zap Comix #7 page 3 by Robert Crumb, 1974 Zap Comix #0 by Robert Crumb, 1967
Джек Колеман «Plastic Man»
Джек Колеман (настоящее имя Джек Ральф Коул) — американский художник-карикатурист, создатель супергероя Plastic Man. Его творчество считается новаторским для Золотого века комиксов. Коул наполнял комиксы сюрреалистичным, почти гротескным юмором. Его истории были известны своим абсурдистским подходом.
Фотография Джека Колемана, сделанная примерно в 1938 года Джек Колеман для Playboy в 1970 годах
Plastic Man #22 by Jack Cole, March 1942 Plastic Man #15 by Jack Cole, 1942
Plastic Man #1 by Jack Cole, March 1975 Plastic Man #63 by Jack Cole, Feb 1954
Пластик Мэн был аутсайдером в мире супергероев, что отражало более личные темы, возможно, волновавшие самого Коула. Герой появляется как преступник по имени Патрик «Угорь» О’Брайан, которого бросила его же шайка. Его решение стать героем — это искупление и отказ от криминального прошлого. В оригинальных комиксах Пластик Мэн часто под прикрытием внедрялся в преступные группировки, используя свою старую личность «Угля». Этот мотив двойной жизни, скрытой идентичности и проникновения в чуждую среду делал его классическим персонажем-аутсайдером.
Plastic Man #28 by Jack Cole, March 1944 Plastic Man page 17 by Jack Cole, 1942
Plastic Man by Jack Cole, 1942 Plastic Man #10 by Jack Cole, 1941
Успех Пластика Мэна и дальнейшая карьера Коула в журнале Playboy, где он стал знаменитым карикатуристом, имели трагический конец. 13 августа 1958 года Джек Коул покончил с собой. В предсмертной записке Хью Хефнеру он написал: «Я не могу больше жить с собой и причинять боль тем, кто мне дорог».
Джули Дуси «Dirty Plotte»
Джюли Дусе — одна из самых значительных фигур в андеграундных комиксах 1990-х, чьё творчество смело бросало вызов нормам и открыло новые возможности для автобиографического повествования. Широкое внимание к её творчеству привлёк Роберт Крамб, опубликовавший её работы в своём журнале Weirdo. В 1991 году она получила премию Харви как «Лучший новый талант».
Dirty Plotte #6 by Julie Doucet, 1991 Dirty Plotte #4 by Julie Doucet, Oct 1991
Dirty Plotte #10 by Julie Doucet, Juli 1996
Dirty Plotte #7 by Julie Doucet, 1991 Dirty Plotte #12 by Julie Doucet, 1998
Основу Dirty Plotte составляют откровенные, зачастую гротескные истории из жизни автора. Дусе беспрецедентно открыто исследует темы, которые тогда были табуированы: менструация, женская сексуальность, сложные взаимоотношения с мужчинами.
Её работы наполнены сюрреалистичными и провокационными образами. Например, в одной из историй героиня во время менструации достигает размеров Годзиллы и заливает улицы кровью. Чёрный юмор и гротеск служат инструментом для осмысления абсурда и трудностей повседневности. Визуальный стиль Дусе узнаваем благодаря плотным, насыщенным деталями панелям. Её страницы напоминают сложные организмы, где каждый предмет в захламлённой квартире может ожить.
Dirty Plotte #1 by Julie Doucet, 1991 Dirty Plotte #1 by Julie Doucet, 1991
Illustration by Julie Doucet for Dirty Plotte, Apr 1991
Дусе начала свой путь в андеграундной комикс-сцене 1990-х, которая, хоть и была альтернативной, но всё же доминировала над мужчинами. Её работа стала одним из первых и самых мощных феминистских высказываний в этой среде. Её творчество сознательно нарушало границы приличия. Провокационное название комикса (plotte — вульгарное квебекское слово для обозначения влагалища) и шокирующий контент бросали вызов не только мейнстриму, но и условностям внутри самого андеграунда.
Ранние выпуски Dirty Plotte часто отказывались от традиционного повествования в пользу сюрреалистичных зарисовок, основанных на снах и мимолётных мыслях. Позже, освоив классический формат автобиографического комикса, она в итоге отвергла и его, чувствуя себя в ловушке панелей и ожиданий аудитории.
Dirty Plotte #7 page 5 by Julie Doucetб, 1993 Dirty Plotte #9 by Julie Doucetб, 1995
Харви Пекар «American Splendor»
Пекар не умел рисовать. Он писал сценарии — плотные, полные диалогов и монологов тексты, а затем нанимал разных художников для их визуализации. Среди них были такие звезды, как Роберт Крамб, Джин Колан, Фрэнк Стек и многие другие. Одна и та же история, нарисованная Крамбом (гротескно-детализированно) и Коланом (потоково-элегантно), выглядела и воспринималась по-разному. Это подчеркивало, что жизнь многогранна, а истина зависит от точки зрения. Художники изображали Пекара и его мир без прикрас — его мясистое, неспортивное тело, унылые интерьеры, серые улицы Кливленда. Это был сознательный уход от глянцевых идеалов супергероев. Визуальный язык работал на правду, а не на красоту.
Фотография Харви Пекара с изданием American splendor, ~1985 American Splendor by Harvey Pekar, 2003
American Splendor #1 the first and the last pages by Harvey Pekar, 1976
American Splendor #2 by Harvey Pekar, 1976 American Splendor: Another Day by Harvey Pekar, 1983
Комикс «American Splendor»: Жизнь как сплендор Название — гениальная игра слов: «American Splendor» (Великолепие) вместо «American Dream» (Мечта). Это не комикс с сюжетом, а хроника жизни Харви Пекара, начиная с 1970-х годов. Он рассказывал о своей скучной работе, походах по магазинам, разговорах с друзьями, просмотре телевизора и мыслях о смерти. Скромный самоиздаваемый комикс стал культурным явлением. Пекар добился культового статуса, появлялся в телешоу, а в 2003 году вышел оскароносный фильм «Американское великолепие», где его сыграл Пол Джаматти.
American Splendor #2 by Harvey Pekar, ~1977 American Splendor #14 by Harvey Pakar, 1982
Харви Пекар в своей студии, 1980-е года
«American Splendor» доказал, что комикс может быть формой литературы, не уступающей роману или мемуарам. Он открыл дорогу для сотен авторов, которые стали рассказывать в комиксах свои личные, негероические истории, заложив основы всего современного направления графических романов.
В итоге, Харви Пекар создал не просто комикс, а целую философию. Он показал, что жизнь обычного, вечно недовольного аутсайдера, запечатленная во всей ее неприглядной правде, и есть то самое «великолепие», достойное искусства.
American Splendor: Another Day by Harvey Pakar, 1992 American Splendor #4 by Harvey Pakar, 1976
Карл Бургос «The Human Torch»
Карл Бургос — ключевая фигура Золотого века комиксов, больше всего известный как создатель первого Человека-Факела. Его творческий путь был полон взлётов и вызовов, характерных для многих пионеров индустрии. Его работы передавали скорость и мощь, что идеально подходило для персонажа, состоящего из живого огня.
Human Torch #36 by Karl Burgos, 1940 Human Torch #20 by Karl Burgos, 1940
The First Human Torch and Fantastic Four by Marvel, 1980
Положение Бургоса в индустрии комиксов можно считать аутсайдерским. В 1960-х годах он подал в суд на Marvel, пытаясь отстоять права на Человека-Факела, чьё имя и концепция были использованы для нового персонажа — Джонни Сторма из Фантастической четвёрки. Этот судебный процесс не увенчался успехом, что является типичной историей для многих авторов Золотого века. Несмотря на работу для Marvel в 1960-х, он так и не вернулся в компанию на постоянной основе. Как отмечали его коллеги, у него были напряжённые отношения со Стэном Ли.
Human Torch #3 by Karl Burgos, 1940 Human Torch #37 by Karl Burgos, 1942
Human Torch #1 by Karl Burgos, 1940 Human Torch #5 by Karl Burgos, 1941
Дизайн оригинального Человека-Факела как андроида отражал популярные в pulp-журналах футуристические мотивы. Обложку для дебюта персонажа нарисовал Фрэнк Р. Пол, известный художник в жанре научной фантастики.
The First Human Torch and Fantastic Four by Marvel, 1982
Заключение
Феномен американского самиздата и творчества аутсайдеров в комиксах XX века представляет собой не просто маргинальную главу в истории индустрии, но ее смысловое и творческое ядро. Это история бунта против конвейерной системы, поиска аутентичного голоса и мучительного, но необходимого пути комикса к признанию в качестве самостоятельного вида искусства.
Значение этих «аутсайдеров» и само издателей невозможно переоценить. Они были картографами неизведанных территорий, доказав, что комикс может быть не только развлечением, но и исповедью, социальным комментарием, сложной литературной формой и глубоко личным высказыванием. Их борьба, творчество и часто трагические судьбы — это неотъемлемая часть ДНК современного комикса. Изучая их наследие, мы понимаем, что истинное искусство рождается не только в лучах славы, но и в упорном, одиноком труде тех, кто рисует наперекор всему.
Rosenkranz P. Rebel visions: The underground comix revolution 1963-1975. — Fantagraphics Books, 2002.
Crumb R. et al. Zap Comix, No. 2. — 1968.
Witek J. Comic books as history: the narrative art of Jack Jackson, Art Spiegelman, and Harvey Pekar. — Univ. Press of Mississippi, 1989.
Carrier D., Oliker M. A. The aesthetics of comics. — 2001.
Baumgardner J. Julie Doucet. — 2019.
Everett B., Burgos C., Compton J. Decades: Marvel In The'40S-The Human Torch Vs. The Sub-Mariner. — Marvel Entertainment, 2019. — Т. 1.
human-torch-header.jpg (1600×900)
