Институциональная критика в современном итальянском искусстве

Институциональная критика — важное направление в современном искусстве, целью которого является осуждение структур мира искусства. Используя самые различные практики, художники проводят критический анализ таких институций, как музеи, галереи и прочие арт-институции.

В Италии сфера искусства всегда была одной из самых значимых. Итальянцы гордятся своим художественным наследием и являются нацией, чью культуру можно назвать «визуалоцентричной», то есть такой, где преобладает зрительный тип восприятия.

Именно в сфере культуры, в «городах искусств» (città d’arte) заложен большой нереализованный потенциал развития страны — как с экономической, так и с социокультурной точек зрения.

Однако многим итальянцам искусство и культура, например, эпохи Возрождения, которая во всём мире ассоциируется прежде всего именно с итальянскими мастерами, не достаточно близки по нескольким причинам.

Во-первых, из-за давности и постоянного стремления итальянского искусства к отказу от старого, к обновлению. Как пишет исследователь Cappellesso, этот процесс отказа от старого в пользу нового — настоящий двигатель современного искусства. Во-вторых, Италия возникла как национальное государство не так давно как кажется на перввый взгляд, поэтому многие люди не воспринимают наследие — например, Флоренции — как своё национальное достояние.

Настоящее исследование рассматривает институциональную критику в современной Италии как многоголосое явление, включающее как коллективные художественные практики (Люка Росси, коллективы сквотов и самоорганизованных пространств), так и теоретическую рефлексию о кризисе критического дискурса. Особое внимание уделяется тому, как итальянские художники и теоретики переосмысливают наследие «arte povera» и Микеланджело Пистолетто, адаптируя его к вызовам современной институциональной среды.

В Италии в прошлом веке появилось несколько значимых художественных течений:

· Футуризм (1910–1920-е) — был тесно связан с журналистикой и массовой культурой. · Метафизическая живопись (pittura metafisica) — тоже 1910–1920-е годы. · Arte povera («бедное искусство», 1967) — возник как ответ американскому минимализму. · Трансавангард (transavanguardia, конец 1970-х) — получил мировое признание.

В начале 1900-х группа итальянских писателей и художников во главе с Филиппо Томмазо Маринетти решила воспевать индустриализацию, скорость и прогресс. Они отвергали традиции и хотели преобразовывать мир, а не просто отражать его.

В 1909 году Маринетти опубликовал «Манифест футуризма» в газете Le Figaro. В манифесте он призывал уничтожать музеи и библиотеки, отказаться от старой культуры. Футуризм быстро стал международным движением и охватил живопись, скульптуру, музыку, моду.

Главные художники-футуристы: Умберто Боччони, Карло Карра, Луиджи Руссоло, Джино Северини, Джакомо Балла. В своих работах они делали акцент на скорости, движении, технике. Футуристы заложили основы для многих авангардных движений ХХ века и навсегда изменили облик искусства.

Метафизическая живопись (1910-1920-е, основатель — Джорджо де Кирико) изображала странные, застывшие сцены с пустынными площадями, тенями и манекенами. Художники хотели показать не обычную реальность, а скрытую тайну вещей. Ключевые фигуры: де Кирико, Карло Карра, Джорджо Моранди. Это направление сильно повлияло на сюрреализм.

Arte Povera (итал. «бедное искусство») — влиятельное направление в итальянском искусстве конца 1960-х — начала 1970-х годов, которое радикально переосмыслило роль искусства в обществе и его отношения с реальностью. Художники Arte Povera, такие как Микеланджело Пистолетто, Янис Кунеллис, Джованни Ансельмо, Джузеппе Пеноне, Марио Мерц и другие, отвергли традиционные художественные материалы и техники в пользу простых, повседневных и часто недолговечных материалов, таких как дерево, камень, ткань, бумага, металл, а также органические элементы вроде листьев, веток или овощей.

Концептуальные стратегии Arte Povera основывались на приоритете идеи над формой, процесса над результатом, опыта над объектом. Художники стремились создавать открытые, интерактивные, непредсказуемые ситуации, вовлекающие зрителя в активный диалог с произведением.

Трансавангард возник в Италии в конце 1970-х годов. Термин ввёл критик Акилле Бонито Олива. В переводе с итальянского transavanguardia означает «выходящий за пределы авангарда».

В отличие от концептуального искусства и минимализма, которые были популярны в то время, трансавангардисты вернулись к живописи, фигуративности, ярким цветам и эмоциям. Они считали, что искусство не должно следовать строгим правилам или программам. Каждый художник может свободно смешивать разные стили — от классики до поп-арта, брать идеи из прошлого и перерабатывать их по-своему.

Главные художники трансавангарда: Сандро Киа, Франческо Клементе, Энцо Кукки, Никола Де Мария, Мимо Паладино.

В последние годы Италия уступила лидерство американским и британским художникам. Это признают и сами итальянские специалисты. В 2015–2016 годах прошёл «Форум современного итальянского искусства», где обсуждали, почему итальянское современное искусство стало слабым и неконкурентоспособным.

Хотя в Италии до сих пор проходят важные события (Венецианская биеннале, ярмарка Arte Fiera), молодых художников, которые могли бы достойно представить страну на международном уровне, очень мало.