Экспериментальная музыкальная композиция: от авангарда к настоящему

Музыка, как и другие виды искусства во всех его проявлениях, была и является до сих пор инструментом самовыражения, композиторы вкладывали в свои произведения частичку себя, свои идеи, виденье и чувства. За последние сто лет музыка сильно менялась, появлялись новые направления, жанры, инструменты — развитие не стоит на месте.

В наше время существует огромное множество инструментов для создания музыки, начиная с искусственного интеллекта и различных приложений, заканчивая студиями звукозаписи с новейшим оборудованием и электронными инструментами. Простор для творчества и музыкальных экспериментов сейчас огромен и творцы с энтузиазмом пользуются всеми доступными технологиями. Концерты становятся перфомансами, звучание приобретает новые краски.

Классическая музыка следовала строгим правилам, композиторы были привязаны к ограниченному количеству ресурсов, была необходимость следовать строгим правилам и структурам композиций, теории музыки, придерживаться канонов. Создавая что-то новое и непривычное, композитор имел опасность столкнуться с критикой и непринятием.

С появлением таких жанров, как, например, джаз, у музыкантов появилась большая свобода, правила постепенно переставали пугать творцов и отходили на второй план, произведения становились свободнее, интереснее, гармония начала приобретать новые краски. Искусство начало стремительно развиваться во всех областях: живопись, промышленный дизайн, литература, архитектура, и, конечно же, музыка. В 20 веке композиторы начали использовать самые необычные инструменты для воплощения своих идей, от акцента на тишину до хаотичного шума, причём не обязательно от музыкальных инструментов.

Так как же вела себя музыка в те или иные периоды, как одни идеи перетекали в другие, какое влияние произведения прошлого оказывают на произведение современных авторов и какие идеи и методы используются до сих пор? Чтобы создавать что-то новое и уникальное в настоящем, надо понимать, какой путь прошло искусство чтобы прийти в нынешнюю точку, какие нюансы могут быть, что следует взять за пример, а что отодвинуть на задний план.

Далее, мы рассмотрим разные композиторские техники, нововведения, необычные взгляды на музыку и творчество, необычные исполнительские практики, а так же то, как это все менялось от эпохи авангарда к настоящему. Будут затронуты последовательно разные временные этапы и их самые значимые события. В основе исследования лежат различные статьи, книжные издания, которые затрагивают данную тему, а также аудио и видео записи выступлений, интервью с композиторами и пр.

Футуризм в музыке — направление, возникшее в начале 20 века, вдохновением для которого послужила индустриальная эпоха.

Последователи футуризма широко использовали в своих работа шум машин, лязг и удары метала и пр. Их цель — создать звуковой язык будущего, звуки механизмов и городов.

Одна из ключевых фигур — Луиджи Руссоло: Создал огромное множество машин, издававших различные звуки, которые в последствии были использованы в его композициях.

Дадаизм был несколько схож с футуризмом. В основе данного направления лежала хаотичность, нацеленность на эффект шока, отсутствие грани между музыкантом профессионалом и любителем, хаос, абсурд.

Направление возникло как реакция на ужасы Первой мировой войны.

Дадаисты активно использовался шум машин, неожиданные крики, лязги, удары, необычные «немузыкальные» звуки, целью которых было вызвать нестандартную реакцию у аудитории.

Серийная техника в музыке — это техника создания композиций, в основе которых лежит ряд из неповторяющихся звуков, которые реализовываются в различных направлениях движения (прямое, инверсия и пр.), серия звуков непрерывна.

Додекафония — разновидность серийной техники, разработана австрийским композитором Арнольдом Шёнбергом в 1920х годах. Здесь в основе произведения лежит звуковой ряд из 12 неповторяющихся тонов, равных между собой по значению, нет тяготения, устойчивых и неустойчивых ступеней.

Подготовленное фортепиано — инструмент, между струн которого расположены различные предметы (вроде шурупов, гаек и пр.) так, что при игре на нем звучит не просто звук клавишного инструмента, но и как будто бы целый ансамбль ударных. Разработал данный «экспериментальный инструмент» Джон Кейдж. Из-за размеров сцены, на которой танцевала его труппа, разместить достаточное количество музыкантов не представлялось возможным, что и сподвигло его создать фортепиано «2 в 1».

Таким образом, авангард заложил несколько направлений эксперимента, в их числе шум как элемент музыки, упор на структуру (додекафония) и концептуальное искусство. Это дало толчок в новым прорывам в области экспериментальной музыки и возможность для дальнейших прорывов.

Алеаторная музыка — это направление, при котором в некоторых частях остается некая «неопределенность», автор «досочиняет» произведение в процессе игры. В 20 веке это направление стало актуально в связи с тем, что люди стали видеть, каким непостоянным, изменчивым и непредсказуемым является окружающий мир.

Один из ярких примеров — соната № 3 Пьера Булеза. Ноты для данного произведения занимают несколько страниц, которые исполнитель может играть в любом порядке по своему усмотрению.

«Четыре минуты тридцать три секунды» — произведение Джона Кейджа. Концепция данной композиции достаточно интересна и имеет право быть рассмотрена отдельна от остального материала. Она состоит из трех частей, первая длится 30 секунд, вторая 2 минуты и 23 секунды и третья — 1 минута 40 секунд. В сумме длинна произведения равна 4 минутам и 33 секундам. Состав исполняющего ансамбля может быть вольным, на протяжении всего произведения музыканты молчат.

По задумке автора, музыкой в данной композиции будут являться тишина, шум, шепот и другие звуки или их отсутствие, услышанные во время данной композиции.

Графическая нотация — это вид записи музыки на бумаге, при котором автор выходит за рамки традиционной нотной записи, с которой она может быть использована как совместно, так и отдельно. Если автору не хватало обычного формата для передачи своих чувств, мыслей, идеи, он прибегал к данному способу. Популярность графическая нотация приобрела в 1950-х, при этом такая запись часто подвергалась влиянию тенденций в области изобразительного искусства.

Несколько примеров использования данного вида записи:

— Пиктограммы Данный вид записи представляет собой реальные рисунки, маленькие карикатуры, привязанные ко времени. Они показывают когда и каким образом должен действовать исполнитель.

— Линейные нотоносцы Здесь человек видит лишь примерный регистр исполнения ноты, должна она быть выше или ниже, точный же звук определяется самим исполнителем

— Абстрактное представление мелодии Отличный пример — произведение Ханса Кристофа Штайнера «Solitude».