Лэнд-арт в американском искусстве 70-80-х годов

Лэнд-арт — направление в искусстве, возникшее в США в конце 1960-х годов. Название происходит от английских «land» и «art», что в переводе означает «земля» и «творчество». Это буквальное объяснение всей сути направления: творцы и художники создают арт-объекты, так или иначе соединяя их с землей, природой.

«Земля как холст» — основной принцип лэнд-арта. Художники стремились выйти за стены музеев и выставочных залов, превратив окружающую их среду в готовое арт-пространство. Движение было вдохновлено минимализмом, которому присущи простота, цикличность, повторение — это то, что и создает красоту в природе. В свое время лэнд-арт стал открытием — как это так получается, что ландшафт может априори являться произведением? А вместо кистей и красок используются камни, ветви и цветы? Тем не менее, общество приняло это нововведение в мире искусства. Сейчас лэнд-арт является самостоятельным течением, которое часто соединяется с инженерией и архитектурой.

Лэнд-арт также называют «земляным артом» — «Earth art». Наша планета Земля поистине красива: горы, моря, пустыни, каньоны и цветочные поля, снежные массивы и рощи деревьев…в них находят вдохновение многие творческие люди: художники, писатели, скульпторы, фотографы. Наверное, каждому из нас порой надо соединиться с природой ради внутреннего спокойствия и умиротворения. Земельные материалы заставляют мозг смотреть на них по-другому. Глина уже не просто коричневая смесь, а основа для рисунка. Песок — не сыпучие частички, а материал для создания градиентов в композиции. Древесина, используемая в искусстве лэнд-арта, погружает человека в атмосферу древности, когда именно она являлась главным инструментом выживания — деревянные дома, орудия труда, способ письменности. Земляной арт отсылает мысли к историческим мотивам, напоминая о связи времени, человеческой жизни и природы.

В своей работе я исследую способы соединения творчества с природой, которыми пользовались создатели объектов; погружаюсь в историю направления (могут ли геоглифы XII века считаться лэнд-артом?) и рассказываю о самых интересных примерах современных арт-объектов. Изучение философии, стоящей за возникновением течения, также присутствует в моем проекте.

Люди ранее XII века уже умели использовать земляные материалы для создания предметов быта и строительства, но не использовали их в искусстве. Цивилизация, расположившаяся на плато Наски в Перу, стала первой, кто раскрыл потенциал природы в создании творческих объектов. Песок стал их главным инструментом. Верхний его слой, покрывающий равнину, имеет более темный цвет, чем нижние массы. Сгребая песок в кучи, творцы создавали насыпи, обнажая светлые частички вокруг. Геоглифы тянутся на несколько сотен метров по плато. Сложно представить, сколько времени потребовалось для создания рисунков, учитывая отсутствие современных технологий. Тем не менее, песочный контур был создан и даже продержался до наших дней.

Геоглифы Наски  — хороший пример работы с многоуровневостью и, пожалуй, контрастом светлого и темного. Такой прием используется в лэнд-арте и сейчас.

В 1960-х годах в Америке начались протесты художников. Стремясь высказать свое недовольство из-за обилия в творчестве искусственности и «пластмассовости», протестанты искали новые пути создания объектов искуства. Коммерция так же вызывала неудовлетворение — слишком прочно установилась связь между произведениями и капиталистическим строем общества. Тогда и зародился тот лэнд-арт, который мы знаем сейчас.

Алан Сонфист провел первый перфоманс в стиле лэнд-арта в 1955  году. Тогда он вырастил сорта доисторических растений и посадил их в парке, рядом с привычными и современными растениями. Связь прошлого и настоящего, изменчивость природы и ее развитие — вот суть проекта «Ландшафт времени».

Данный пейзаж несет и другой смысл: художник взял экземпляры тех растений, которые росли в тех местах в довоенные времена. Так была воссоздана та местность, которая раньше изображалась лишь на фотографиях и в военных мемориалах.

Самым известным «лэнд-артистом» можно справедливо считать Роберта Смитсона. Этот человек был заворожен тем, как соединяются природные стихии, как они взаимодействуют между собой и рождают что-то новое, необычное и покоряющее сердце наблюдателя. Будучи влюбленным в природу, Смитсон создавал арт-объекты по ее подобию, хоть и начинал в направлении «ранний поп-арт». Небольшие произведения постепенно перекочевали в более объемные и обширные. В 1969 году Роберт улетел на остров Юкатан. Там он создал серию инсталляций из зеркал, соединив их с местными деревьями и лианами. «Девять зеркальных пластов» — вызов искусству. Природа уступает место неисчислимым циклам непродолжительности, как заявил сам создатель.

Форма объекта говорит, в первую очередь, о цикличности. Спираль — она бесконечна, ее витки следуют друг за другом так же, как история человечества повторяет свои эпохи раз за разом. Порой камни полностью уходят под воду, а иногда полностью видны на суше. Камни вечны — природа вечна. Человек же здесь просто наблюдатель и потребитель даров этой самой природы. Даже пройдя всю спираль от начала до конца, зритель увидит все то же самое, что и в отправной точке — вода, песок, камни. Это заставляет задуматься о значении крошечного человека в огромном мире.

Интересен тот факт, что большинство арт-объектов лэнд-арта можно полностью лицезреть лишь с высоты, с воздуха. Для полной оценки придется подниматься в небо — а это требует финансовых затрат. Данный аспект направления противоречит одному из главных постулатов про творчество — «искусство для всех».

«Скат Амарилло» должен был показывать то, как легко творение может исчезнуть под влиянием природных сил. Медленная смерть глиняного сооружения напоминает людям о течении времени. Раньше «скат», или «рампа Амарилло» представляло собой дамбу, впадавшую в озеро Тековас. К нашему времени озеро высохло, а от проекта остались лишь камни и глиняная насыпь, постепенно растворяющиеся в ландшафте.

«Земляная комната» — легендарное создание Уолтера. Впервые она появилась 1968 году в Мюнхене, позже в 1974  в Дармштадте, а в 1977 году она навеки поселилась в Нью-Йорке. «Комната» представляет собой пустой зал, белые стены, земля на полу. Зрители смотрят на это из соседних коридоров — на саму землю ступать нельзя. Казалось бы, комната, засыпанная землей, не может считаться произведением искусства. Но стоит лишь прислушаться к внутренним ощущениям…

Поле в Нью-Мексико стало следующим холстом для Уолтона. Установив в нем 400 стальных штырей, выполнявших роль громоотводов, художник превратил природный массив в сцену для шоу, главными актерами которого были гром и молнии. Так родилось «Поле молний». Не многим удавалось вживую увидеть буйство природы в этом месте, однако все посетители отмечают одно — чувство всеобъемлющей гармонии с природой, вдалеке от технологий современного мира. Вне зависимости от наличия зрителей, перфоманс говорит о связи природных явлений и крошечного человека, которому они неподвластны.

Философия лэнд-арта проста до безобразия. В мире, перенасыщенном продукцией, эмоциями и ощущениями, милое дело обратиться к природе. Природа — и мастерская для создания проектов, и уже готовые инструменты. Многие объекты имеют мифический, философский подтекст. Отсылки в прошлое погружают зрителя в умиротворение и возвращают порой забытую связь с предками.

Лэнд-арт в долгосрочной перспективе сильно повлиял на дизайн и искусство. В первую очередь он дал основу для возникновения концептуализма — направления, в котором привычные смыслы отвергаются ради поиска чего-то нового и не такого очевидного.

Ландшафтный дизайн является не чем иным, как лэнд-артом. Дизайнеры соединяют природные составляющие с урбанистикой, рождая тем самым новый образ города и человеческого дома.

Выставки, проводимые ранее только в закрытых пространствах, перекочевали на открытые места. Парки, дворы, площади — все может стать основой для художественных мероприятий.