За что мы любим Алена Рене?

Ален Рене — французский кинорежиссёр и признанный классик французского киноискусства.

Начав увлекаться кинематографом ещё в детстве, уже в 14  лет Рене снял свой первый короткометражный фильм, а в 25  лет дебютировал как режиссёр с короткометражным документальным фильмом о Винсенте Ван Гоге «Ван Гог». В дальнейшем фильм завоевал целый ряд международных наград, а Андре Базен в " Живопись и кино» защищал начинающего режиссёра от нападок кинокритиков, обвинявших Рене в неоправданной вульгаризации живописи:

«В этой ленте режиссёр рассматривает всё творчество художника как единое огромное полотно, в пределах которого камера движется столь же свободно, как при съёмках любого документального фильма. Прямо с „улицы Арле“ мы „проникаем“ через окно „внутрь“ дома Ван Гога и приближаемся к кровати с красной периной. Точно так же Рене позволяет себе вставить „встречный план“ старой голландской крестьянки, которая входит в дом».

За всю свою жизнь Рене создал более 15  полнометражных фильмов и ещё ряд короткометражных, которые оказали влияние не только на французский кинематограф и будущих режиссёров, но и на мировой кинематограф в целом. Почему фильмы Алена Рене оказали такое влияние на мир кино, что отличает его фильмы от фильмов других режиссёров и почему мы до сих пор любим его работы? Вопросы, которые я хочу рассмотреть в своём визуальном исследовании и проанализировать визуальный язык режиссёра, а также затронуть темы, которые он поднимает в своих работах.

В качестве материалов для визуального исследования было выбрано несколько полнометражных фильмов Алена Рене: первый полнометражный фильм «Хиросима, любовь моя» (1959), «В прошлом году в Мариенбаде» (1961), «Люблю тебя, люблю» (1968), «Мой американский дядя» (1980) и «Любовь до смерти» (1984). В каждом из фильмов были выделены основные приёмы, использующиеся автором, и темы, которые там поднимаются.

Структура визуального исследования была составлена таким образом, что сначала идёт введение в темы, поднимающиеся режиссёром в своих фильмах, а после — анализируется, как именно он их раскрывает и какими приёмами пользуется. Такая структура была выбрана, чтобы более комплексно рассказать о визуальном языке режиссёра и его работе в целом.

В качестве текстовых источников же было отобрано несколько статей и анализов европейских и американских кинокритиков, говоривших о фильмах Рене. Статьи не являются опорным источником, а лишь дополняют мысли и мой собственный анализ визуального языка режиссёра.

Ален Рене скончался 1  марта 2014 года в возрасте 91  года, за две недели до этого презентовав свою последнюю работу на 64 м Берлинском кинофестивале — «Любить, пить и петь», которая была отмечена премией Альфреда Бауэра, оставив режиссёра в памяти людей на более чем хорошей ноте.

Многим зрителям фильмы Рене кажутся непонятными нелогичными и закрывающимися от своего зрителя. Это ощущение возникает наиболее сильно, когда рассматриваешь фильмы режиссёра отдельно, вырывая их из общей фильмографии. Однако на деле же все темы в картинах Рене обусловлены стремлением режиссера постичь механизмы человеческого мышления, изучить природу субъективного времени и выявить причины социальных проблем современного для него общества.

«Хиросима…» — первый игровой фильм Алена Рене после череды короткометражных документальных картин. В центре картины находится влюблённая пара: он из Хиросимы, она — из Невера. Сам Рене подчёркивал, что

»…С недоумением прочел, что кое-кто ставит знак равенства между взрывом атомной бомбы и драмой в Невере. Это совершенно неправильно. Напротив, в фильме противопоставляется огромное, неизмеримое, фантастическое событие в Хиросиме и крошечная историйка в Невере, которую мы видим как бы сквозь Хиросиму — подобно тому, как пламя свечи, если смотреть через увеличительное стекло, предстает перед нами увеличенным и перевернутым вверх ногами».

Рене говорит о насилии — ужасном насилии, — которое одинаково неприемлемо, как в случае огромной Хиросимы, так и в случае крошечного Невера.

Это первый фильм режиссёра, где он создаёт новую эссенцию времени и учится работать с ним по-своему, уплотняя его, материализуя и придавая ему новые формы. Интерес к такой возможности работы со временем и его видоизменением подтолкнула Рене к созданию его следующей кинокартины — «В прошлом году в Мариенбаде».

В «…Мариенбаде» режиссёр превращает всё происходящее в сон, ностальгическое воспоминание. Каждая комната и пространство в фильме как бы отсылают к прошлому героини, к которому она не хочет возвращаться и элементы которого она отрицает, окружая себя миром зеркал, туфель, платьев и одинаковых мужчин в костюмах. В своём интервью для Cahiers du  ciné ma Рене говорил о фильме:

«То, что определяет нас, не является логической последовательностью идеально сцепленных друг с другом действий — это какие-то случайные вещи, облака. Мне кажется интересным исследовать весь этот мир — с точки зрения если не правды, то морали».

Если в «В прошлом году в Мариенбаде» одним из отличительных приёмов были повторяющиеся фразы героев, отбрасывающие персонажей в прошлое, то в «Люблю тебя, люблю» этот приём сменяется на повторяющиеся вставки воспоминаний главного героя — спасённого самоубийцы, которому дали возможность отправиться в прошлое и пересмотреть свою жизнь. Действие фильма, уже свойственно режиссёру, переносит нас то в одно место, то в другое, то в одно время, то в следующее. Герои говорят то на одном языке, то на другом, а содержание диалогов не менее абсурдно и хаотично. В какой-то момент герои начинают рассуждать о кошках:

— Человеческая цивилизация имеет только одну главную цель: обеспечить кошке комфорт, пищу и жильё.
— Кошке?
— Кошке. Проще говоря, человек изобрёл тысячу вещей, чтобы обеспечить кошкам комфортную жизнь.

И эта хаотичность проявляется во всём, прогрессируя с каждым фильмом Рене: герои то равнодушны друг к другу, то горячо любят друг друга. То отстранены, то сближены, а само по себе действие фильма максимально нелинейно: сейчас перебивается обрывками воспоминаний, которые перебиваются другими воспоминаниями и в итоге всё скатывается в один большой временной ком.

Визуализировав образ человеческого нелинейного мышления в «Люблю тебя, люблю», Рене создал следующий фильм «Мой американский дядя», который стал сочетать в себе практически все ранние находки режиссёра.

Здесь Рене не просто визуализирует время и работает с его структурой, но и прибегает к идеям французского учёного-медика и философа Анри Лабори, который сам и озвучивает их в фильме. Сюжет же крутится вокруг трёх людей, чьи жизни потом пересекаются и которые и иллюстрируют идеи Лабори о связи человеческой психологии и общества: бывший крестьянин Рене, который стал одним из руководителей на текстильном предприятии; Жанина, оставившая свою семью, чтобы стать актрисой; Жан, успешный политик и писатель из буржуазной семьи.

Режиссёр, на примере реальных людей, показывает, как работает научная модель поведения определённых архетипов по Лабори: агрессии, бегства, торможения. Себе же он отвечает на поставленные перед собой вопросы: как общество воздействует на человека? Почему человек так жаждет господства над другими? И как этому способствует время? Отказываясь от своего прошлого и стремясь изменить свою жизнь, каждый из героев попадает в замкнутый круг, возвращаясь к своим истокам, ибо всю жизнь они несут их в самих себе и распространяют их на своих ближних, а в конце фильма и вовсе сливаются в одну историю, словно разрознённые ветки дерева, уходящие к единому стволу.

Так, на протяжении многих фильмов, главная цель режиссёра остаётся неизменной — постичь природу человека и «приручить» время, научиться его контролировать и видоизменять, что с каждым фильмом удаётся Рене всё с большим успехом.