Глава I. Коммерческая анимация, от киноприема до young-adult

– Макс Флейшер и Уолт Дисней. Разделение анимации

– Анимация на больших и малых экранах

– Анимационные каналы нового века

Анимация зародилась всего на пару десятилетий позже кинематографа и развивалась параллельно с ним. Первоначально анимация была частью кино с живыми актерами, внося разнообразие в действие. Многие приемы и техники перешли в анимацию именно из кино, в частности комедии буффонады, которая определила вектор развития анимации на десятилетия вперед. Анимация стала продолжением комедий про «бродяги Чаплина» только с животными в главных ролях, так появились первые крупные серии мультфильмов объединенных единым главным героем. Несмотря на то, что первоначально анимация использовалась в сочетании с живыми актерами, первыми крупными спонсорами анимации стали печатные издания, которые продвигали своих авторов при помощи нового вида искусства. Таким образом анимация стала продолжением панелей воскресных комиксов. Примечательно, что подобные мультфильмы часто были крайне прямолинейны с точки зрения истории и стремились зацепить зрителя новизной жанра, а не интересным или смешным сюжетом. Для разнообразия и отвлечения зрителя от недочетов истории, ранняя анимация часто сочеталась с живой съемкой с участием актеров.

Комиксные традиции прочно закрепились в ранней анимации, начиная от попыток изменить классический вид интертитров, и заканчивая правилами нарративного и визуального оформления историй. Будучи свободным от физических ограничений актера, мультипликация вскоре приобрела свои собственные характерные черты. С появлением звука анимация смогла окончательно обрести завершенную форму самостоятельного вида экранного искусства. Наследуя комиксную эксцентричность и неестественность, мультфильмы стали позволять своим героям быть более гипертрофированными и эмоциональными. 12 принципов анимации, созданные в 1930 годах на студии Уолта Диснея четко ставят перед художниками задачу сделать персонажей визуально чересчур выразительными, а каждое их движение до комичности наигранным. Мультфильмы перешли от простых историй и визуального дополнения в самостоятельные произведения, а произведениям нужен герой. Наиболее известными авторами таких анимационных серий, связанных одним героем стали Макс Флейшер и Уолт Дисней.

Макс Флейшер начинал творить еще в 1910-х годах, однако известность ему принесли не мультфильмы, а новаторство. В 1915 году он изобрел анимационную технику, позволяющую сделать плавную анимацию даже с самыми замысловатыми движениями и ракурсами, ключом стала живая съемка, движения актера записывались на пленку, после чего художники переносили его движения на анимационного персонажа перерисовывая их, эта техника стала известна как ротоскопирование, или просто «ротоскоп». В 1924 году Флейшер попытается создать свою собственную студию, однако студия не сыскала успеха и вскоре закрылась из-за долгов. Тогда молодой аниматор заключил контракт с Paramount который ограничил творческую свободу и инновационные порывы строгими корпоративными нормами. После завершения контрактных обязательств, Флейшер снова основывает собственную студию и выпускает свои мультфильмы совместно с другими издательствами. Примерно в этот момент Флейшер начинает поиск и создание своих культовых персонажей, которые позволят студии выгодно продавать свои мультфильмы. Такими героями стали Бетти Буп и Моряк Папай из одноименных серий мультфильмов. Бетти Буп стала первым и наиболее противоречивым персонажем Флейшера. Экстравагантная, кокетливая, сексуализированная, но при этом наивная героиня заигрывала не только с другими персонажами, но и со зрителями.

Делая серии про Бетти, Флейшер ориентировался на более взрослую аудиторию, эти мультфильмы изобиловали сценами с сексуальным подтекстом, курением и другими атрибутами взрослой жизни. Многие критиковали Бетти за столь непристойное поведение и считали эти анимационные эпизоды сродни бульварным романам, яркой обложкой за которой скрывается пустота. Тем не менее в них Флейшер впервые активно использовал собственные нововведения, а в силу привлекательности образа эти серии отлично продавались и выпускались Paramount в 1933-1938 годах.

Моряк Папай с другой стороны был достаточно типичным представителем анимационного героя той эпохи. Сильный уверенный и слегка недалекий мужчина вышел из под пера художника-комиксиста Элзи Крайслер Сегара, в рамках комиксных стрипов «Thimble Theater». К моменту первых экранизаций герой уже приобрел определенную популярность и узнаваемость. Помимо узнаваемого главного героя, в серии мультфильмов про моряка Папая Флейшер также прибегал к использованию новых технологий, например трехмерный метод создания локаций, когда сооружался макет окружения, в котором находится герой и поверх него на камеру крепились отрисованные изображения анимационного персонажа, создавая глубину пространства.

Еще одним значимым аниматором раннего периода был Уолт Дисней. Родившийся в небогатой семье в Канзасе, Дисней был крайне амбициозным и целеустремленным человеком. Вернувшись с первой мировой войны он сразу же приступил к созданию мультфильмов для местной театральной выставки, однако успех пришел к нему только в 1928 году, когда после долгих проб и ошибок его студия предоставила первый в мире мультфильм с синхронизированной звуковой дорожкой «Пароходик Вилли». Мультфильм сразу же стал всемирно известным, как и его главный герой, Микки Маус. Дисней сразу же стал производить больше мультфильмов схожих с пароходиком Вилли, используя Микки как главную звезду, как делал и Флейшер.

Со временем аниматоры Диснея разработали других персонажей которые взаимодействовали с Микки, утка Дональд, пес по кличке Плуто и другие герои пополнили каст мультфильмов. В отличии от других студий, Дисней и его команда разработали характер и реакцию каждого персонажа с целью сделать их особенными и запоминающимися, у героев появились разные характеры, особенности речи и голоса и реакции на те или иные ситуации. Сохраняя приверженность комедии гэгов, строящихся вокруг нелепых ситуаций и шуток, Дисней также думал как придать персонажам больше индивидуальности, сделать их более “объемными”.

Анимация была развлечением для публики наравне с кинематографом, однако все начало меняться в 1934 году, когда студии и издательства были вынуждены подчинятся так называемому кодексу Хейса, вводящему запреты на показ некоторых тем и сюжетов на экранах. Этот свод правил стал ответом на возмущение общественности безнравственности кинематографа. Этот цензурный свод правил поставил перед анимационными студиями один из главных вопросов: «Для кого мы делаем это?». До 1930х анимация разделяла ту же целевую аудиторию, что и кинематограф и была направлена во многом на взрослого зрителя, однако кодекс Хейса ввел запрет на ряд тем вынудив аниматоров искать нового зрителя. Макс Флейшер пытался адаптировать свои мультфильмы под новые реалии, Бетти стала более скромной и тактичной, Папай перестал бранится и выпивать, однако этих шагов оказалось недостаточно и в начале 1940-х годов Флейшер со своим братом были уволены из собственной студии. Уолт Дисней же разглядел новый потенциал в детской аудитории, выпущенный в 1937 году мультфильм «Белоснежка и семь гномов» не только стал коммерческим успехом и доказал, что анимация может соперничать с полнометражными фильмами, но и предопределил вектор развития анимации. Дети были более благодарной публикой, а формат движущихся картинок идеально подходил для рассказа ярких и живых историй и сказок. Таким образом к сороковым годам двадцатого века благодаря успеху «Белоснежки» и других работ Уолта Диснея, а также цензуре, анимация стала жанром преимущественно предназначенным для детей и оставалась в этом русле долгие годы.